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Millepied, Maliphant et Forsythe / Ballet de l’Opéra de Lyon / La virtuosité mise en exergue

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Photos Blandine Soulage

Ballet de l’Opéra de Lyon : Millepied, Maliphant et Forsythe :

La virtuosité mise en exergue

 

C’est un programme marqué par l’éclectisme que nous offre le Ballet de l’Opéra de Lyon pour son passage à l’Espace Pierre Cardin, un programme constitué de courtes pièces de son répertoire qui, certes, n’ont rien de révolutionnaire, mais qui mettent en avant l’excellence et la virtuosité de ses interprètes et qui, de plus, s’avèrent parfaitement adaptées au lieu dans lequel elles sont présentées. Trois œuvres d’obédience différente émaillent ce programme qui s’ouvre sur Sarabande de Benjamin Millepied, une pièce déjà assez ancienne sur différentes sonates et partitas pour flûte et violon de Jean-Sébastien Bach. Interprétée par quatre danseurs, la chorégraphie, assez sophistiquée et d’une grande richesse, calquée sur la musique, la distord, l’explore, la dissèque, la fait éclater, vibrer. S’ouvrant par un solo plein de verve et d’esprit au sein duquel le violon torture le danseur, l’œuvre, truffée de sauts et de tours d’une virtuosité ahurissante, fait alterner soli, duos et quatuors dans des enchaînements qui en extraient petit à petit toute la substantifique moelle, l’exprimant jusqu’à la dernière goutte, transformant les sons en mouvements d’une expressivité sans égale et d’une très grande originalité.

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Créé en 1998, Critical Mass de Russell Maliphant qui suit Sarabande est également une œuvre d’une construction rigoureuse, mâtinée d’arts martiaux. Celle-ci débute par un solo en silence dansé par Albert Nikolli pour se poursuivre par un duo surprenant, dans lequel la partition musicale stroboscopée signée Richard English et Andy Cowton est entrecoupée de silences brutaux au cours desquels les deux interprètes, Leoannis Pupo-Guillen et Albert Nikolli, en recherche constante d’équilibre, poursuivent la variation sur sa lancée. Les éclairages de Michael Hulls interviennent eux aussi comme partenaires à part entière, accentuant l’atmosphère établie par des illusions d’optique qui annoncent, laissent entrevoir et deviner les variations qui vont suivre. Un ballet aérien et léger mais là encore d’une virtuosité extrême, qui suscite un état de tension permanent.

Steptext que William Forsythe a créé en 1985 et qui terminait le programme est un enchaînement de mouvements énergiques et alambiqués mais très lyriques, caractéristiques du style de ce chorégraphe. Des enchaînements harmonieux d’une incroyable complexité mais d’une saisissante beauté, des équilibres à la limite du déséquilibre, des corps déhanchés, désaxés, tendus à l’extrême, étirés jusqu’aux limites de la rupture mettent en avant la technicité des quatre interprètes qui répondent admirablement aux difficultés instrumentales de la Chaconne de la Sonate n°4 pour violon seul en ré mineur de Jean-Sébastien Bach. Fascinant.

J.M. Gourreau

Sarabande / Benjamin Millepied, Critical Mass / Russell Maliphant, Steptext / William Forsythe, Ballet de l’Opéra de Lyon, Espace Pierre Cardin, Paris, du 2 au 12 mai 2018

Julien Lestel / MisaTango / Une messe dansée

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Photos F. Pinson & D. Malherbe

 

 

Julien Lestel :

Une messe dansée

 

Il lui fallait un cadre à sa mesure. Elle l’a enfin obtenu. Cette MisaTango de Martin Palmieri (dénommée Misa a Buenos Aires en Argentine), bien qu’elle ne soit pas aussi célèbre que la Misa criolla d’Ariel Ramirez ni que les Missa solemnis de Beethoven ou de Mozart, aura fini par bénéficier du faste et de l’aura dont elle aurait dû être parée depuis deux décennies. Créée en août 1996 par l’orchestre symphonique de Cuba au théâtre Broadway de Buenos-Aires, la MisaTango de Palmieri, composée sur des airs de tango, apanage de la culture argentine, comporte cependant tous les éléments traditionnels d’une messe latine: elle en conserve en effet son caractère religieux et respecte le déroulé de la liturgie chrétienne dont on retrouve les cinq parties habituelles sous forme de mouvements assez courts, le Kyrie, le Gloria, le Credo, le Benedictus et l’Agnus dei. Au cours de ce dernier, les phrases mélancoliques du bandonéon préparent l’entrée de la soliste Sophie Hanne, mezzo-soprano dont la voix chaleureuse a l’heur de vous projeter dans un autre monde et de vous réchauffer le cœur… Ces éléments traditionnels ont en effet un rythme dansant, voire envoûtant tout à fait inhabituel. L’orchestre à cordes est ici associé à un piano et à un bandonéon, instrument emblématique du tango, lequel apporte à l’ensemble une touche aussi originale qu’étonnante qui donne à cette messe sublime une tonalité tragique. Cet alliage sonore confère de ce fait à la partition une couleur très particulière, extrêmement attachante, qui met en valeur les voix et se conjugue particulièrement bien avec elles. L’œuvre se termine de manière très émouvante par un Dona nobis pacem, seule véritable fugue de cette pièce pleine de ferveur, avant que la musique ne s’apaise et ne s’éteigne doucement, jusqu’au silence, rédempteur de la sagesse et de la paix.

L’histoire de cette messe, restée longtemps inconnue hors de ses frontières, n’est d’ailleurs pas banale. Laissons son auteur l’évoquer : « J’étais également chef de chœur et pianiste dans un orchestre de tango, raconte-t-il. Comme il n’existe pas de répertoire de tango pour chœur, mes choristes me demandèrent d’écrire un arrangement de tango pour chœur a cappella. Ce fut un véritable désastre : le tango est une culture, un mode de vie qui implique même une façon de marcher ! Or le chœur sonnait totalement européen, et les voix solistes se perdaient sans intérêt. J’ai donc compris qu’il fallait écrire une œuvre originale. Et comme, à cette époque, je m’intéressais beaucoup à la musique religieuse, j’ai décidé d’écrire une Messe, en gardant le latin qui, pour moi, est la langue chorale par excellence. J’ai commencé à chanter le Kyrie sur un thème de tango, puis le Kyrie s’est terminé naturellement. Le reste de l’œuvre a ainsi suivi. Le Pape François a demandé à l’écouter et il en a chaudement fait l’éloge »... 

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Photos B. Faure & D. Malherbe

 

 

C’est seulement en 2012 que cette partition éclatante de chaleur et de sensualité, fortement marquée par la tradition catholique, franchira nos frontières. Cette année-là, la Chorale "A cœur-joie" de Chambéry et son chef, Patrice Rimet, proposent à l'Ensemble "Ad Libitum" et au bandéoniste Jérémy Vannereau de monter l’œuvre en France. Celle-ci est alors encore quasiment inconnue : ils seront parmi les premiers à la présenter dans son intégralité. L’enregistrement en public qu’en ont fait Michel Piquemal, l’Orchestre Pasdeloup et le Chœur Vittoria d’Île de France apportent dès lors une notoriété planétaire à son auteur, Martin Palmiéri. Le succès de cette Misatango est en effet immédiat. C’est alors que la complicité entre Jérémy Vannereau et les musiciens d'"Ad Libitum" se resserre et leur donne envie de poursuivre l'aventure. Les changements de rythme constants et la pléiade de nuances contenues dans la partition ont conduit le chef des chœurs à en accentuer les variations et les oppositions, et à mettre en avant ces contrastes en sollicitant un couple de danseurs à créer une chorégraphie pour illustrer ces évolutions de l’âme. La suite logique était le renforcement de cette formation en invitant un chorégraphe et sa compagnie pour accroître la force de l’œuvre lyrique en incorporant au sein de la mise en scène des pièces dansées à part entière, lesquelles mettraient en avant à la fois la tension dramatique contenue dans les rythmes du tango et la ferveur de la liturgie catholique. D’où le choix d’une chorégraphie classique commandée à un chorégraphe d’une sensualité et d’un charisme notoires, Julien Lestel, lequel, tout en respectant scrupuleusement l’esprit de l’œuvre, parvint avec beaucoup de bonheur à restituer ces différentes atmosphères en faisant alterner soli et duos de couleur et d’expression différentes par son ensemble de dix danseurs. Bien qu’il se soit parfois laissé déborder par la puissance et la tension dramatique de la partition musicale qui éclipsait par instants la danse, il sut réaliser des variations aussi originales que sophistiquées, empreintes auréolées de nombreux portés, d’une très grande beauté et d’une incomparable volupté. Cependant, il n’en restera moins profondément gravées dans notre mémoire des images aussi fascinantes qu’inoubliables, de par leur architecture, leur expressivité, leur élégance et leur pureté, telles celles de ce duo à la fois empreint de profondeur, de spiritualité mais, surtout, d’émotion et de tendresse, qu’il interpréta lui-même avec une soliste de sa compagnie. En prélude à cette messe, avait été spécialement composée par Martin Palmieri lui-même une fort brillante ouverture, à laquelle faisaient suite trois courtes pièces d’Astor Piazzolla dans le même esprit. Une œuvre magistrale aussi ambitieuse que grandiose qui fait honneur à ses auteurs.

J.M. Gourreau

MisaTango / Julien Lestel, musique de Martin Palmieri, Chœur régional Vittoria d’Ile –de-France et Orchestre Pasdeloup, Opéra de Massy, 2 & 3 mai 2018.

On pourra retrouver un excellent enregistrement de cette MisaTango sous le label des éditions Hortus avec les mêmes interprètes, qu’il s’agisse de l’orchestre, des solistes ou des chœurs, enregistrée en public le 1er avril 2016, en l’église Notre-Dame du Liban à Paris. La sortie de ce disque dans les magasins distributeurs, officiellement prévue pour janvier 2017, a été précédée par un concert inaugural en présence du compositeur, le 19 novembre 2016, dans la salle de concert du Conservatoire du 9ème arrondissement de Paris.

 

Paris danses d’auteurs, Les 20 ans du festival Faits, d’hiver / coéd. Scala-Micadanses

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Paris danses d’auteurs, Les 20 ans du festival Faits, d’hiver,

Collectif (27 auteurs), 160 pages, 92 photos en couleurs et 17 en N & B, broché, 23 x 30 cm, coéditions Nouvelles éditions Scala & Micadanses, Paris, Novembre 2017, 25 €.

ISBN : 978-2-35988-198-1

Les vingt ans d’un festival, en l’occurrence celui du Festival "Faits d’hiver", ça se fête ! Cet ouvrage magnifiquement illustré relate l’histoire de 26 soirées mémorables depuis la création par Christophe Martin de cette manifestation, laquelle a vu le jour en 1999. La quasi-totalité de la jeune danse en France (pas moins de 183 chorégraphes !) s’y est en effet produite, certains d’entre eux y ayant laissé des traces indélébiles, ce qu’évoquent les auteurs et photographes ayant participé à ce travail. Mais pas seulement. Au-delà de ces témoignages, on trouve en effet également dans ce livre des réflexions  sur la danse dans le temps, son évolution et son devenir, ainsi que l’engagement de ce festival à défendre une danse originale issue d’horizons très divers, au sein de laquelle on peut déceler les prémices de la danse de demain.

J.M.G.

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Chorégraphies, l’art d’écrire avec le corps / Chorok Talih / L'Harmattan

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Chorégraphies, l’art d’écrire avec le corps,

Par Chorok Talih, 198 pages, 10,5 X 21,5 cm, broché, éditions de L’Harmattan, collection L’univers de la danse, Paris, janvier 2018, 20 ,50 €.
ISBN : 978-2-343-13673-8.

Chorok Talih, professeur-animatrice de divers ateliers de mouvement corporel à Banyuls-sur-Mer, a découvert ce qu’elle appelle le « Mouvement authentique », c’est-à-dire le mouvement qui permet d’affiner ses perceptions sensorielles,  qui aide le corps à chercher du sens à la vie, à trouver les relations qu’il entretient avec elle, à redonner au corps son identité et sa valeur. Quel liens tisse-t-on avec son corps ? Quelles relations entretient-on avec la vie ? Comment redonner au corps toute sa valeur ? Comment fait-on vivre ce qui nous traverse, ce qui résonne à l’intérieur de nous et qui veut sortir ? Cet ouvrage contient la réponse à toutes ces questions. Vivre son corps. Trouver dans le mouvement quelque chose qui résonne en nous, qui nous anime, qui nous fait danser. Raconter une histoire, parler avec le corps, le dire autrement.

Cet ouvrage pédagogique est en fait un guide pratique pour animer un atelier de mouvement corporel au sein d’un groupe. Il propose une méthode simple d’exploration du corps et donne des outils pédagogiques permettant d’aborder la danse d’une manière plus large pour tenter de découvrir là où le mouvement prend vie. Ce manuel est constitué de trois parties indépendantes permettant d’acquérir une autonomie dans l’apprentissage du mouvement et un équilibre entre le cadre et la liberté. La première étape consiste à lâcher la connaissance, stopper les repères habituels. La seconde est l’acquisition de la connaissance par soi-même de ses propres sensations, et la troisième est la création d’un nouveau chemin de mouvement plus spontané qui conduira vers la liberté.

J.-M. G

Benjamin Millepied, Noé Soulier, Ohad Naharin et le L.A. Dance Project / Résolument avant-gardiste

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Benjamin Millepied :

Résolument avant-gardiste

 

Depuis 2012, date de création de son « Los Angeles Dance Project », Benjamin Millepied, ex-directeur de la danse à l’Opéra de Paris (2013 à 2016), désormais fixé aux Etats-Unis, revient de façon régulière dans notre capitale et, pour la seconde fois, au Théâtre des Champs-Elysées. Sous ce vocable de L.A. Dance Project se cache en effet non seulement une compagnie de danseurs et solistes de très haut niveau mais surtout un foyer de création pluridisciplinaire s’efforçant d’évoquer les multiples facettes de cet art. Un laboratoire chorégraphique réunissant une pléiade d’artistes amis du fondateur, bien évidemment des chorégraphes de tous horizons tels Justin Peck, Noé Soulier ou Ohad Naharin, directeur artistique de la Batsheva Dance Company, mais aussi de créateurs dans différents domaines, qu’il s’agisse de compositeurs comme Philip Glass, Nico Muhly, Thierry Escaich, David Lang ou Nicolas Britell, de [plasticiens-décorateurs tels Christopher Wool, Santiago Calatrava ou Mark Bradford, de graphistes comme Barbara Kruger ou Paul Cox ou, encore, de vidéastes comme Dimitri Chamblas… Ce collectif basé à Los Angeles réunit aussi bien des créateurs émergents que confirmés, et contribue activement à la naissance de nouvelles propositions artistiques dans le domaine de la danse. Il est associé entre autres en France au Théâtre du Châtelet à Paris, à la Maison de la Danse à Lyon et à la fondation Luma à Arles, laquelle accueille en résidence pour trois ans cette prodigieuse troupe américaine.

C’est sous la houlette de « Transce-en-Danses » que Benjamin Millepied offre à son public parisien une création, Bach Studies (Part 1) encadrée par une pièce du chorégraphe Noé Soulier, Second Quartet, ainsi que par une œuvre de Ohad Naharin. Personnalité phare de la scène israélienne, formé par Martha Graham et Maurice Béjart, ce chorégraphe « inclassable » est un artiste de grand talent qui peut surprendre par sa liberté d’expression. Ses pièces sont résolument contemporaines, pour ne pas dire avant-gardistes, telle sa dernière création, Yag. Cette œuvre pour six danseurs, créée en 1996 pour la Batsheva Dance C° et que l'on a d'ailleurs pu voir l'été dernier à la fodation Luma, peut dérouter par son intrigue au parfum de mort. Prélude à l’invention de la technique Gaga, Yag, enjoint les danseurs à élaborer instinctivement leurs mouvements à partir de leurs sensations et de leurs perceptions, établissant une connexion entre jouissance et effort, mettant l'accent sur la rapidité, tout en s'appuyant sur les habitudes de son propre mouvement, pour s'efforcer de développer et d'acquérir de nouvelles formes. Un langage dans lequel chaque mouvement a son originalité, chaque danseur ses propres mouvements. Les postures désarticulées de ses interprètes prennent vite des allures animales, du fait de leur agilité et de leur souplesse. La recherche de l’efficience du mouvement est permanente mais elle va de pair avec l’écoute du corps, la recherche d’émotions et la prise de conscience de l’espace. Mais, comme ce fut le cas ici, on peut vite en arriver à un manque de lisibilité et des incohérences, éloignant le spectateur de l’idée originelle. Ainsi l’une des interprètes va-t-elle tracer en diagonale un chemin de croûtons de pain sec (sic) que deux autres danseurs vont se mettre en devoir d’écraser lentement mais consciencieusement tout en produisant des craquements secs du plus désagréable effet… Et tout à l’avenant !

Second Quartet de Noe Soulier qui ouvrait la soirée n’est pas une œuvre plus explicite ni facilement abordable, le chorégraphe invitant le spectateur à observer attentivement le mouvement avant d’en déchiffrer la motivation. Celle-ci n’est pas nécessairement reliée à une idée mais plutôt à un objet ou une action qui n’est pas aisément identifiable, comme celle de frapper sur un xylophone invisible dont on perçoit le son, lequel déclenche le mouvement et génère sa force comme on a pu en juger au début du spectacle. « Les objets ciblés ne sont pas présents, ou les parties du corps utilisées lors des mouvements sont mal adaptés à leurs objectifs », peut-on lire dans le programme. Et le chorégraphe de poursuivre en donnant un exemple : « un danseur peut frapper un objet imaginaire (…) sans que le spectateur n’ait à connaître les motivations de ces mouvements incomplets. Ils sont destinés à stimuler sa propre mémoire physique en étant dirigés ou définis par quelque chose d’invisible. Ce qui permet d’éclairer le spectateur sur la perception du mouvement lui-même ». Ce qui s’est en tout cas traduit sur scène par des déferlements d’énergie et une gestuelle acrobatique alternant avec des passages plus lents, souvent au sol, et des recherches d’équilibre. Pas vraiment passionnant…

Bien évidemment, c’est Bach Studies (Part 1) qui remporta la mise. Cette œuvre, sur la Partita N° 2 en ré mineur pour violon seul de Bach, est la dernière création de Benjamin Millepied, laquelle n’avait encore jamais été présentée en France. La chorégraphie, fort originale, reflète bien l’essence de la musique qui emprunte à une danse du 17è ou 18è siècle, vraisemblablement une chaconne, son caractère rythmique. Elle fait alterner des soli, duos, trios et quatuors tantôt rapides et enlevés, souvent virtuoses, tantôt plus lents et mesurés, profonds ou enjoués. Il est toutefois un peu dommage que cette partita, jouée en live sur scène par le violoniste Eric Crambes, manquât un peu d’âme… Et puis, curieusement, alors que cela ne figurait pas au programme, Millepied prolongea cette partita par un assez long extrait du chœur de la Passion selon Saint Matthieu du même compositeur. Une pièce interprétée par les dix danseurs et dont l’atmosphère tranchait nettement sur celle qui venait d’être créée par la partita… Une énigme de plus dont on n’aura jamais la clé !

J.M. Gourreau

Second Quartet / Noé Soulier, Bach Studies (Part 1) / Benjamin Millepied, Yag / Ohad Naharin, et le L.A. Dance Project, Théâtre des Champs-Elysées, du 20 au 22 avril 2018.

 

Never stop moving / Peter Goss / Editions de l’Attribut / Mars 2018

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Never stop moving (Toujours en mouvement),

par Peter Goss, avec la collaboration de Patrick Germain-Thomas, préface d’Emmanuel Carrère, 128 pages, 14 photos en N et B en un cahier central, 13,5 x 20,5 cm, éditions de l’Attribut, Toulouse, Collection Culture Danse, Mars 2018, 15,50 €.

ISBN : 978-2-916002-56-9.

Voilà l’histoire d’un grand chorégraphe-danseur doublée de celle d’un pédagogue hors pair qui évoque avec beaucoup d’humilité son parcours d’artiste et son besoin de transmettre aux autres le fruit de ses recherches sur le mouvement, lesquelles ont également nourri ses créations. Pour cet artiste en effet, la pédagogie a toujours fait partie intégrante de son quotidien et il a été l’un des créateurs du Cursus en danse contemporaine du département Danse du Conservatoire Supérieur de Musique et Danse de Paris (CNMSD), mis en place par Jacques Garnier au début des années 1990. Son enseignement, issu de la méthode Feldenkrais, de la technique Alexander et du Body Mind Centering, est complété par le Yoga et par des disciplines chinoises, telles que le Qi-gong et le Tai-chi.

Le début de l’ouvrage est consacré à son histoire qui débute à Johannesburg au temps de l’apartheid qu’il vit difficilement. Il reçoit un enseignement dans les milieux blancs issus de l’immigration juive mais parvient tout de même à fréquenter quelques musiciens noirs et danseurs de jazz. Son apprentissage de la danse débute à l’Ecole d’Audrey Turner puis, rapidement, il entre dans sa compagnie. Il la quitte en 1967, à l’âge de 20 ans, pour Londres, afin d’y poursuivre des études de droit au King’s College. Parallèlement à celles-ci, il suit les cours de danse de Molly Molloy. C’est là qu’il fait la rencontre de Richild Springer puis de Lester Wilson et gagne sa vie comme danseur de cabaret. Au début des années 1970, on le retrouve à Paris, donnant des cours de danse jazz au sein de l’Ecole de Paul et Yvonne Goubé, fréquentée par deux élèves qui vont devenir célèbres, Brigitte Lefèvre et Jacques Garnier. Sa carrière de danseur s’arrête au moment où commence celle de chorégraphe et de professeur. C’est sa conception de la danse et son travail au sein de sa compagnie qu’il développe au fil des pages qui suivent. Son parcours croisera de nombreuses figures de la danse du moment, qu’elle soit classique, jazz ou contemporaine, mais aussi de la culture hippie ou du showbiz. Sa première pièce, People, date de 1973. Sa compagnie, au sein de laquelle Dominique Bagouet notamment fera ses débuts de chorégraphe, sera créée dans la foulée. 22 pièces verront le jour entre 1973 et 1982.  Il ouvrira son école en 1981. Celle-ci fermera ses portes en 1994 et déménagera à Micadanses, lieu où ce pédagogue enseigne encore aujourd’hui.

J.M.G.

François Lamargot / Reflets / Une vérité pas toujours bonne à entendre...

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François Lamargot :

Une vérité pas toujours bonne à entendre…

 

Il y a un petit relent de José Montalvo dans l’air. Sauf que François Lamargot n’a en fait vu de ce chorégraphe que Carmen, sa dernière œuvre, et non des pièces plus anciennes comme Y Olé ou Don Quichotte du Trocadéro dans lesquelles la vidéo permettait à des personnages sur scène de traverser l’écran, de changer de taille ou de prendre leur envol au dessus du plateau… Reflets aurait-il aussi un arrière-goût humoristique, voire sarcastique évoquant certaines œuvres de Laura Scozzi ? Pas impossible, car il a été l’interprète de plusieurs de ses pièces, notamment de Barbe-neige et les 7 petits cochons au bois dormant (voir dans ces mêmes colonnes à la date du 13 janvier 2014). Cependant Reflets qui est sa 4ème pièce n’est pas un ballet plein d’un humour rayonnant mais, au contraire, une œuvre austère et sombre, certes auto-dérisoire et loufoque, qui trouve ses origines dans un court métrage cinématographique éponyme d’une extrême noirceur, Reflet, que François Lamargot a réalisé en 2015, alors qu’il s’initiait au 7ème art, parallèlement à son activité de chorégraphe.

L’œuvre chorégraphiée qu’il présente aujourd’hui, beaucoup moins sombre que le film, se veut tout de même une satire de la société actuelle dans laquelle l’Homme - entre autres le cortège de nos politiciens - a une fâcheuse tendance à chercher à se mettre constamment en avant et à se représenter à outrance. Elle met en scène un Janus à deux visages, seul sur scène face à un miroir qui va bien évidemment le démultiplier, lui et sa personnalité. Pas toujours facile de décrypter ce qui va se passer, confrontation, lutte, pacte ou ignorance ? Ou tout à la fois ? Attirance, indifférence, répulsion, peur, rejet total sont les différents sentiments qui traversent la rampe par l’intermédiaire d’une danse virile et forte mais aussi, douce, voire parfois même empreinte de sensualité, mêlant avec beaucoup de bonheur hip-hop et danse contemporaine. Mais aussi et surtout par le truchement de la vidéo, laquelle interfère avec la chorégraphie, dédoublant - voire démultipliant - le personnage, révélant la fourberie et la noirceur de son âme, et ce, paradoxalement, sans prétention aucune et, dirais-je même, de façon estompée, avec humour et légèreté ! Où est le vrai du faux ? Une image certes ludique et un peu fantaisiste, voire schizophrénique de la société dans laquelle nous sommes plongés mais qui évoque toutefois parfaitement les travers et outrances de notre enfermement. Kubrick, Scorcèse et Fellini ne sont pas bien loin… « Mon mode d’expression se veut poétique. Je tente d’exprimer une réalité du monde par le langage de la métaphore et de la suggestion, tant pour les danseurs que pour les spectateurs qui s’invitent au voyage. La poésie permet une distance capable d’une autre compréhension des événements. Car elle a pour toile de fond, la paix nécessaire pour constater ce qui passe, ici et là. Or le plus grand inspirateur de mon travail reste mes rêves, une clé qui me permet de réinterroger mes certitudes », révèle le chorégraphe.

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Ph. J.M. Gourreau

C’est à peine âgé de 17 ans que François Lamargot débute sa carrière comme danseur dans plusieurs comédies musicales, telles Gladiateur de Maxime le Forestier et Elie Chouraki ou,  encore, Belles, Belles, Belles de Redha et Claude François. François Lamargot a aussi été l’interprète de différentes pièces d’autres artistes, tels George Momboye, Salia Sanou, Seydou Boro, Claude Brumachon, Blanca Li, Ibrahim Sissoko ou, encore, Anthony Egéa qu’il assista pour les créations de Middle et de Rage en 2011, ainsi que pour celle de Mourad Merzouki, Wasterland, en 2015. Parallèlement à ce travail de danseur et de chorégraphe, il s’initie au cinéma et, la même année, signe son premier court-métrage dansé, Reflet, qui fait introduction à son projet de solo créé en janvier dernier au festival Suresnes-cités-danse. C’est la troisième fois que la Maison des Métallos accueille François Lamargot, qui y avait présenté Akasha en 2011 et Gardien du Temps en 2015.

J.M. Gourreau

Reflets / François Lamargot, La Maison des métallos, Paris, du 13 au 15 avril 2018.

"Signes de printemps" au Regard du Cygne / Toméo Vergés / Cécile Loyer / Thomas Lebrun

"Signes de printemps" au Regard du Cygne

 

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Brigitte Seth & Roser Montlló Guberna dans Luna et lotra performing - Ph. J.M. Gourreau 

 

Voilà une fête chorégraphique aux allures de festival concoctée par deux inénarrables joyeux drilles, pleins de verve et d’humour mais aussi de finesse et d’esprit - j’ai nommé Brigitte Seth et Roser Montlló Guberna - lesquelles ont invité quelques amis chorégraphes et danseurs à partager avec le public durant trois semaines leur enthousiasme et leur passion dans un écrin aussi confortable que chaleureux, amoureusement bichonné par Amy Swanson. Le Regard du Cygne est en effet autant un théâtre pour la danse qu’un lieu convivial "au croisement des cultures, des langues, des langages et des générations", dans lequel on ne peut que se sentir parfaitement à l’aise, tout comme chez soi… Durant une quinzaine de jours, pas moins de onze chorégraphes s’y sont croisés dans une entente cordiale et souveraine, donnant souvent le meilleur d’eux-mêmes : il n’est bien sûr pas possible de tous les évoquer dans ces colonnes ; trois d’entre eux cependant ont davantage attiré mon attention, et c’est de leurs prestations dont je vais vous entretenir.

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Sandrine Maisonneuve dans Que du bonheur / Toméo Vergés - Ph. J.M. Gourreau

Toméo Vergés :

Un va-et-vient aussi cocasse que burlesque

Voilà une idée pour le moins aussi originale que peu banale. A savoir celle de faire exécuter durant une bonne trentaine de minutes à son interprète une étourdissante quantité d’allers retours de cour à jardin et de jardin à cour sur un tapis de sol tout en longueur et ce, juste au- devant de la scène avec, pour seul accompagnement, un métronome… Là, je vous vois venir : seriez-vous enclin à penser que cette machiavélique réitération de pas qui n’est pas sans évoquer ceux d’un "lion en cage" pourrait vite devenir lassante, voire obsessionnelle ? Eh bien non car, ce que je ne vous ai pas encore laissé entendre dans l’histoire, c’est que, si la gestuelle dévolue aux jambes pouvait effectivement paraître aussi agaçante qu’insupportable du fait de sa monotonie, c’est en fait au haut du corps que le chorégraphe a donné la parole. Or, il faut bien l’avouer, tant le visage que les bras et, bien sûr, les mains sont de fabuleux moyens d’expression, que Toméo Vergés a su utiliser et mettre en valeur avec autant d’humour que de délicatesse et d’à-propos. Le résultat est souvent désopilant et plein de fantaisie. Que du bonheur porte en effet bien son titre, d’autant lorsqu’il est présenté dans un tel cadre. C’est à Sandrine Maisonneuve que Toméo a confié ce carcan et cette lourde tâche… laquelle, il faut le souligner, lui va comme un gant ! Pince sans rire elle est, pince sans rire elle reste, du moins durant toute la durée du spectacle. Si, au début de la représentation, elle semble vouloir s’en affranchir, très vite elle va explorer tous les moyens pour attirer l’attention sur sa condition : expressions et gestuelle moqueuses, drolatiques, grotesques, empreintes de désespoir feint (un tantinet forcées, il est vrai), et j’en passe, sans compter les effets de robe qui forcent l’attention et appellent sans coup férir le rire et la bonne humeur. Tout un tas de petits riens qui, par leur charme et leur innocence, vous effacent, comme d’un coup de baguette magique, les ennuis et désagréments de votre journée. Un véritable remède contre la monotonie !

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Moments d'absence - Photos J.M. Gourreau

 

Cécile Loyer :

Aux frontières de la réalité et de la fiction

Etrange travail que ces Moments d’absence aux relents de butô, entre fiction et réalité, ayant pour origine l’œuvre du cinéaste Jean Eustache (1938-1981), en particulier son film, Une sale histoire. Ce diptyque cinématographique en deux volets qui date de 1977 navigue explicitement sur deux territoires, celui d’un documentaire et celui, en parallèle d’une allégorie, vision qui reflète son imagination. Mais, à l’inverse du film qui débute par la fiction pour enchainer sur le document, l’œuvre de Cécile Loyer relate quelques instants mémorables de son passé, en l’occurrence la création à Tokyo, 15 ans plus tôt, de son tout premier solo, Blanc (2000), pour le réactualiser tout en en faisant revivre les principales facettes. Un solo qui évoque le passé d’une femme peu avant son mariage, la magie, la force, la fragilité de ces moments de joie ou de tristesse vécus et partagés avec ceux et celles qui l’ont entouré et qui ont fait chaque jour partie de sa vie. Dix ans plus tard, l’idée l’effleure de reprendre la pièce en la modifiant, en l’adaptant, en la déconnectant du passé, tout comme l’avait fait Jean Eustache dans son court-métrage, conférant ainsi à l’œuvre une nouvelle facette qu’elle s’efforce de transmettre à son interprète, Eric Domeneghetty. Un travail tout en finesse reflétant la générosité extrême de son auteur, aux frontières entre la réalité et l’imaginaire, l’histoire vécue et la fiction, dans deux mises en scène analogues qui s’interpénètrent, abordant des questions qui interpellent mais qui resteront à jamais sans réponse… Un dialogue fascinant dans lequel on ne peut jamais discerner le bon grain de l’ivraie.

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Anne-Sophie Lancelin dans L'étoile jaune - Photos CCN Tours

Thomas Lebrun :

Au paroxysme de l’émotion

Autre registre avec le solo et le duo de Trois décennies d’amour cerné de Thomas Lebrun, pièces abordant les tabous du sida, suivies par le solo L’Etoile jaune du même chorégraphe. Les mots sont impuissants pour le dire et les décrire. Voilà un artiste dont l’œuvre toute entière est imprégnée d’un charisme hors du commun, d’une sensibilité exacerbée et qui ne parle qu’avec son cœur, sentiments parfaitement relayés par ses danseurs, tout particulièrement par Anne-Sophie Lancelin, interprète sublime des deux solos dont l’intensité dramatique rejaillissait avec une force peu commune sur les spectateurs subjugués.

Comme son nom le laisse entendre, Trois décennies d’amour cerné… de doutes ravive les peurs, les questions, les doutes générés dans les années 80 par l’épidémie de sida qui déferla entre autres sur le monde de la danse. Un solo fascinant, d’une grande intensité dramatique, qui révèle avec une force inouïe la crainte de vivre sereinement sa sexualité, le doute qui oppresse et tenaille les partenaires, ne serait-ce qu’à l’approche de l’étreinte, réveillant dans les esprits les risques et les dangers de la maladie. Ressenti exprimé tant dans la gestuelle que par l’étonnante expressivité théâtrale communicative d’Anne-Sophie qui donnait réellement l’impression de le vivre.

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Trois décennies d’amour cerné… de peur - Photos CCN Tours

Même sentiment d’effroi communiqué par Anne-Emmanuelle Deroo et Raphaël Cottin dans leur duo Trois décennies d’amour cerné… de peur, « de la crainte de l'autre et de l'acte, mais que le désir emporte ». Avec l’obsession sous-jacente de la mort. Un sentiment encore bien présent aujourd’hui, malgré les progrès de la médecine qui permettent désormais de soigner ce fléau, voire même de le renvoyer au pays des oubliettes.

Soirée poignante qui se terminait en apothéose avec L’Etoile jaune, solo d’une puissance évocatrice incommensurable extrait de La constellation consternée, pièce qui évoque le massacre de milliers d’innocents par les nazis durant la dernière guerre mondiale. Là encore, l’exceptionnel pouvoir de concentration d’Anne-Sophie Lancelin et sa force intérieure, son rayonnement et son innocence lui permirent d’exprimer toute l’horreur de ce drame, le désarroi, ainsi que la rage sourde et contenue de ceux qui y ont été confrontés et qui en ont fort heureusement réchappé.

J.M. Gourreau

Que du bonheur / Toméo Vergés, Le Regard du Cygne, Paris, 5 & 6 avril 2018. Moments d’absence / Cécile Loyer, Le Regard du Cygne, Paris, 12 & 13 avril 2018. La constellation consternée & L’Etoile jaune / Thomas Lebrun, Le Regard du Cygne, Paris, 12 & 13 avril 2018, dans le cadre du Festival "Signes du printemps".

Salva Sanchis / Radical light / Pas vraiment novateur mais admirablement réalisé

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Salva Sanchis :

Pas vraiment novateur mais admirablement réalisé

 

Ce n’est pas particulièrement original mais c’est bougrement bien fait. Une œuvre platonique issue de quelques mouvements minimalistes instinctifs, anodins, sur une musique elle aussi minimaliste, en sourdine, planante, qui s’amplifie progressivement jusqu’à l’explosion finale, radicale, souveraine. Sur la scène, quatre hommes et une femme. Des hésitations à s’engager, investir ce tapis d’un orange rutilant qui occupe le centre du plateau. Une gestuelle naturelle, insidieuse, à partir de banals échauffements qui se complexifient au fur et à mesure que la musique se fait plus présente, plus puissante. Des phrases qui, toutefois, n’ont rien de réellement extraordinaire mais qui mettent en valeur l’excellence et la virtuosité des exécutants et, surtout, leur énergie. Un démarrage peut-être un peu long mais, au final, pas du tout désagréable. On se laisse aller à admirer la beauté des mouvements concoctés, la pureté de leur ligne. Chaque danseur semble cependant faire ce que bon lui semble, sans s’occuper de ce que fait son voisin.

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Photos Bart Grietens

Puis, sans que l’on s’en rende vraiment compte, la gestuelle, devenue plus prégnante, concentre notre attention, nous prend aux tripes, nous sort de cette torpeur qui nous avait progressivement envahi, dans laquelle nous nous étions lentement installés. Dès lors, tout s’emballe. Le rythme de la musique du duo musical "Discodesafinado" (Joris Vermeiren et Senjan Jansen) devient de plus en plus saccadé, de plus en plus impulsif, engendrant une danse convulsive, mécanique, fougueuse, emportée. Le langage s’approfondit, se charge petit à petit de sens, de pair avec l’intensité de l’écriture et sa profondeur. La musique ruisselle sur les corps, les enveloppe, les habite, mais ils demeurent malgré tout chacun dans leur monde. Ils n’en sortent que pour aller s’écrouler dans un coin, épuisés, ou pour reprendre leur souffle. Bien vite cependant, la fièvre, le besoin de se couler dans le rythme, de s’y mesurer, les ranime : ils rejoignent alors leurs compagnons d’infortune et rentrent dans la sarabande. Dès lors, le spectacle subjugue, hypnotise, devient électrisant. Les performances s’enchaînent à un rythme étourdissant, les danseurs se relayant les uns les autres. Il ne semble toujours rien y avoir de cohérent, même si, par moments, à la fin de la représentation essentiellement, ils parviennent à se rejoindre. Mais ça coule, ça se laisse contempler comme les flots d’un long fleuve qui gagne de l’impétuosité au fil de son parcours, et on s’y laisse prendre. La cadence musicale, syncopée, génère un mouvement perpétuel totalement abstrait, obsessionnel, sans apparentes répétitions. Et l’on en vient à se demander comment les interprètes parviennent à  enregistrer, à retenir ces enchaînements. Car, bien sûr, quasiment tout est écrit, rien n’est laissé ni au hasard, la part de l’improvisation étant réduite. Et c’est bien là le prodige. Car la musique, répétitive, ne permet que bien difficilement de s’y retrouver. Torsions, vrilles, déséquilibres plus étonnants les uns que les autres alternent avec des mouvements au sol du plus bel effet pour, finalement, laisser les corps s’imbriquer les uns dans les autres. Fascinant.

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Salva Sanchis n’est pas un inconnu des aficionados français de danse. En juin 2001 en effet, il a présenté dans ce même théâtre - dans le cadre de la manifestation P.A.R.T.S. (Opening Parts@Paris) - un solo, Gap, intégré l’année suivante dans la pièce de groupe Itch & fear. Ce chorégraphe espagnol, né à Manresa près de Barcelone, débute sa carrière artistique dans le théâtre, le mime et l’aïkido avant de se rendre en Belgique à l’Ecole P.A.R.T.S. d’Anne Teresa de Keersmaker. Il en sortira, diplôme sous le bras, en 1998. Cette même année, le Centre culturel Belem de Lisbonne lui commande une courte pièce pour trois danseurs Underline. Dès lors, tout ira très vite. De 1998 à 2017, date à laquelle il se consacre uniquement à la psychologie, Sanchis ne montera pas moins de 20 chorégraphies et participera à la création de 14 autres, avec Anna Teresa de Keersmaker et Marc Vanruxt essentiellement mais aussi Georgia Vardarou, Peter Lenaerts, Thomas Plischke et Jan Ritsema. Alors que ses premières pièces étaient très influencées par le théâtre, ses dernières, telles Radical light qu’il présente aujourd’hui, sont devenues totalement abstraites. On a également pu le voir comme danseur d’abord chez Anne Teresa de Keersmaeker puis comme chorégraphe associé jusqu’en 2008, période durant laquelle il développera un travail personnel entre danse et musique. En 2010, on le retrouve avec Marc Vanrunxt à la direction artistique de la compagnie flamande Kunst/Werk qu’il quittera définitivement – et avec elle la danse – en 2017. Seules sont aujourd’hui encore présentées ses deux dernières créations, Radical Light (2016) et A love supreme (2017).

J.M. Gourreau

Radical Light / Salva Sanchis, Théâtre de la Bastille, du 9 au 15 avril 2018.

 

Florence Peake / Do disturb / Un festival d’art avant-gardiste au sein duquel la danse a finalement bien trouvé sa place

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Rite / Florence Peake - Ph. J.M. Gourreau

 

Florence Peake :

Un festival d’art avant-gardiste au sein duquel

la danse a finalement bien trouvé sa place

 

Do disturb, vous connaissez ? C’est l’antagoniste de don’t disturb, ne pas déranger… En l’occurrence, un festival au nom engageant, dont la vocation est donc de déranger, de décoiffer, de vous bousculer dans vos habitudes… Un festival désormais annuel de performances tous azimuts, avant-gardistes bien évidemment, qui se tient pour la quatrième année consécutive dans notre capitale, au Palais de Tokyo. Un festival ouvert à tous les arts, qu’il s’agisse des arts inanimés tels la peinture, la sculpture ou l’écriture, ou des arts du mouvement comme le théâtre, le mime, le cirque ou la danse, dans lequel - et c’est là son originalité - le spectateur n’est pas tenu à l’écart. Si, dans cette manifestation, l’art de Terpsichore a été jusqu’à présent relégué au second plan, cette fois-ci ont été programmés, sinon de courts spectacles de danse contemporaine, du moins des performances inhabituelles, voire déjantées. Quatre des prestations proposées peuvent se rapporter à cette catégorie, Rite de la chorégraphe Florence Peake, An homage de Jérémie Nedd, Man Made et Elephant du "Dance on Ensemble", compagnie de vétérans sous l’égide du CND qui a vu le jour en 2015, sans oublier  Dancehall de Cécilia Bengolea, performance de quelque 6 heures autour d’une installation vidéo présentée durant toute une nuit (du 7 au 8 avril).

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Rite / Florence Peake - Cliquer sur les photos pour les agrandir

Encore peu connue en France, Florence Peake, danseuse, chorégraphe et peintre d’origine britannique, réalise, depuis 1995, des performances ludiques aussi étranges que radicales, faisant appel à des matières et des objets inhabituels qu’elle met en relation avec le corps en mouvement, mixant ainsi le théâtre, la sculpture et la danse. Il en naît des images d’une fulgurante beauté plastique, fort originales, du fait notamment des alliances éphémères "live" ainsi créées. Sous l’égide de la célèbre "Hayward Gallery" londonienne qui vient tout juste de réouvrir après deux ans de travaux, Rite s’avère un fascinant jeu sculptural de trois danseuses, en partie sur quelques accents de la fort célèbre partition - sulfureuse pour l’époque - du Sacre du printemps de Stravinsky, et qui illustre ici les ébats dans la boue de trois jeunes femmes aussi affranchies que dénudées… De véritables sculptures en mouvement que n’auraient sans doute pas reniées Rodin ou Camille Claudel. Outre l’attrait artistique évident que présente ce jeu chorégraphique dans la glaise - jeu auréolé en outre de sons amplifiés issus du pétrissage de l’argile ou du glissement des corps sur cette matière - son intérêt tient au fait qu’il évoque avec objectivité le rituel païen primitif sous-jacent dans l’œuvre de Stravinsky. Plusieurs tonnes d’argile ont été nécessaires pour réaliser cette performance qui montre et développe la relation entre le mouvement et la matière originelle brute, notre terre nourricière. L’artiste y présente également le corps comme primal, viscéral, érotique, de « normalisation néo-fasciste », précise-t-elle. Son approche est donc aussi une forme de protestation corporelle cynique contre le climat politique actuel. Une fois le spectacle achevé, l’argile empreinte par les corps des interprètes, laissera une trace sculpturale immuable des ébats chorégraphiques dont elle a été la matière et l’objet.

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An homage / Jérémie Nedd - Ph. J.M. Gourreau

Autre volet chorégraphique de ce festival, An homage de Jeremy Nedd. Né à Brooklyn mais basé à Bâle, ce jeune danseur, chorégraphe et D.J. tout à la fois, tente de s’approprier certains "diktats" esthétiques de la danse contemporaine nés « d’une pratique de déconstruction et de démystification ». An homage, dont il a conçu la chorégraphie, la mise en scène, les lumières et le décor évoque, de par sa texture et ses couleurs argent et or, celles d’une couverture de survie. Au cours du spectacle, deux couples féminins vont mettre en parallèle l’intérêt et l’originalité de l’inspiration ainsi - et surtout - que sa subtile appropriation par le plagiat. Une pièce aussi étonnante qu’électrisante mais d’un abord pas toujours évident.

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Man made / Jan Martens - Ph. J.M. Gourreau

Enfin, Man made est une création du chorégraphe belge Jan Martens dont nous avons pu voir la dernière pièce, Rule of three, en novembre dernier à l’Espace Cardin, dans le cadre du Festival d’automne. Cette nouvelle œuvre, qui fait intervenir les six danseurs vétérans du "Dance on Ensemble" sur une musique répétitive signée Mattef Kuhlmey, est à nouveau un spectacle au sein duquel les leitmotivs - mouvements de rotation et torsion ellipsoïde du corps scandés par les impulsions régulières de la partition musicale - prennent de la puissance et de la vitesse au cours du temps. Ces rythmes sourds interprétés en live, qui évoquent ceux d’une machine qui s’emballe, sont la source de l’énergie motrice et la force propulsive des danseurs, lesquels ont été salués par une ovation à l’issue du spectacle donné en clôture de ce festival.

J.M. Gourreau

Rite / Florence Peake, An homage / Jérémie Nedd & Man Made / Jan Martens et le "Dance on Ensemble", Festival "Do disturb", Palais de Tokyo, Paris, du 6 au 8 avril 2018.